Cine

Desde la primera proyección cinematográfica hace 125 años, el modo de ver películas no ha dejado de evolucionar. Las salas de cine se resisten a desaparecer, incluso en el contexto desafiante de los últimos confinamientos, pero el visionado de películas y series en casa ha ido creciendo, con las emisiones televisivas, el DVD y el Blu-ray. El último paso del consumo audiovisual doméstico ha sido a través de internet en las plataformas digitales. Aquí se ha posicionado muy bien Netflix, que con poco más de veinte años de existencia ha sabido adaptarse al entorno cambiante, pasando de videoclub a productora, distribuidora y exhibidora, y ofreciendo su producto en los cinco continentes mediante un solo clic.

Las adaptaciones cinematográficas son, desde hace mucho tiempo, el principal soporte de la industria de Hollywood y de las cadenas de televisión norteamericanas. Además, la mayoría de las cintas que han ganado el Oscar a la mejor película han sido adaptaciones de novelas, obras de teatro o historias reales. Linda Seger, autora de varios libros ya clásicos sobre escritura de guiones, ofrece ahora un manual valioso y completo para guionistas, productores y realizadores que quieran adaptar obras y acontecimientos a la pantalla. Junto a cómo analizar este material "y evaluar su potencial como película", Seger proporciona un método práctico para trasladar al cine la historia, los personajes, los temas y el estilo. La última parte aborda también las cuestiones legales de toda adaptación, las posibilidades de opción sobre una obra y la protección de los derechos como guionista o productor.

Manual breve y práctico sobre el cortometraje, que reúne los mejores secretos, recomendaciones y consejos de la autora, fruto de su larga experiencia entre guiones, actores y grandes festivales de cine. Muestra cómo aprovechar los recursos y herramientas disponibles en la red, logrando un texto de enorme utilidad tanto para el que empieza como para el cineasta más experimentado.

Aprender a ver cine invita a la contemplación crítica de grandes películas de diversos géneros cinematográficos: Gladiator, Braveheart, La vida es bella, Casablanca, Salvar al soldado Ryan, Matar a un ruiseñor, El club de los poetas muertos, Los miserables, El Señor de los Anillos, Star Wars, etc. Ofrece una sinopsis del argumento, apuntes históricos y sociológicos, estilo del director, estructura dramática, tipos de planos..., y se completa con un análisis de los sentimientos de los personajes. Incluye cuestionarios que servirán de guía para organizar cinefórum. Un libro de interés para todos los amantes del séptimo arte, especialmente para profesores y alumnos de Cine, Ciencia y Humanidades.

Cualquier escena romántica parece incompleta sin una tierna melodía de violín. La amenazadora presencia de unos indios no resulta tan peligrosa sin la percusión de unos inquietantes tambores. Los metales hablarán de sentimientos heroicos, y el saxofón, tal vez, de sensualidad. Crear un ambiente a partir de la música no siempre resulta fácil. Pero quien lo logre será capaz de acompañar a la imagen de una manera sublime y estremecer al espectador en su butaca, hasta hacerle temblar, reír o llorar. Valorar una partitura cinematográfica exige unos conocimientos mínimos de música y de cine, que permitan relacionar con acierto imagen y sonido. Como apenas existen textos en castellano, el autor ofrece aquí una propuesta divulgativa, con rigor y amenidad, que permitirá adquirir criterio de la mano de diez grandes obras maestras del cine.

Durante las primeras décadas del siglo xx, el arte, las ciudades y los monumentos más emblemáticos de la geografía española comenzaron a recibir una especial atención por parte de la cinematografía, que contribuyó a su difusión, promoción y conocimiento entre la sociedad del momento. La evolución natural de este fenómeno culminó con la gestación de un género cinematográfico con personalidad: el documental de arte. Coincidiendo con la edad de oro del mismo a nivel internacional, en los años del franquismo, el cine español se sumó con sus aportaciones a proponer nuevas vías de tratamiento, análisis e interpretación del arte. Desde entonces y hasta la actualidad, el documental de arte en nuestro país ha conocido nuevos escenarios mediáticos para su desarrollo más allá del ámbito cinematográfico, en los que la televisión y los museos han sido determinantes incluso en la propia transformación de este género audiovisual. El propósito del que parte esta obra, por tanto, es el de proporcionar al lector una mirada poliédrica en torno al documental de arte español, no sólo desde el punto de vista histórico, sino también a través del estudio de obras concretas o de la filmografía de importantes documentalistas que han cultivado el género, a partir de aproximaciones y metodologías muy diversas que abarcan desde los contextos de producción hasta sus modos de representación, sus fronteras discursivas con otros registros audiovisuales como el film-ensayo o el videoarte, los tratamientos temáticos o las relaciones entre el cine, la televisión y los museos con la historia del arte.

Pedro Almodóvar ha filmado la mayoría de sus películas en Madrid o, mejor dicho, en los muchos Madrid que hay en Madrid, y así lo ha reconocido: "Siempre he encontrado en esta urbe un paisaje perfecto y una fauna incorrecta para cada una de mis películas". Es la ciudad a la que llegó en 1966, cuando aún no había cumplido los diez y siete años, y, a pesar de estar inmersa en plena dictadura franquista, para él representaba los deseados valores de la cultura y la libertad personal. Su relación cinematográfica con la capital resulta casi autobiográfica. En todos sus trabajos, envuelve a los protagonistas. Sus calles, plazas, barrios, cafés, edificaciones, restaurantes, bares de copas u otro tipo de establecimiento configuran arquetipos. Sobrepasan el concepto de meros escenarios para participar en la trama como un personaje más. Este libro ofrece al lector una serie de itinerarios (físicos y conceptuales) que no sólo le permitirán conocer el Madrid que, desde edificios emblemáticos hasta modestos barrios de la periferia, protagoniza sus películas, sino descubrir el modo en que la ciudad se ha convertido en eje vertebral de una cinematografía que no se puede entender sin su presencia. La presente edición, actualizada, incluye su última película Dolor y gloria.

Todas las épocas tienen sus historias. A veces se cuentan mediante relatos de carácter religioso, mitos, leyendas, cuentos, novelas, obras de teatro... y también películas. Esa transmisión de historias constituye un pilar de la cultura, y es además un vehículo para adquirir sentido crítico y hacerse preguntas que tal vez nos mejoren como personas. ¿Qué hace que una historia brille con luz propia? Es determinante la fuerza narrativa, pero también, y de un modo determinante, el personaje. Como espectadores o lectores, vivimos las historias a través de los ojos de sus personajes. Por eso, un buen actor, escritor o director es aquel que logra personajes que enamoren, fascinen, y queden impresos en la memoria.

Entre 1931 y 1982 la oferta de cine es enorme: salas de estreno, de re-estreno, de parroquia o de verano. El cine se hizo presente en los juegos de los españoles, en sus noviazgos y en los comentarios de café entre jubilados. Las respuestas de aquellos espectadores sobre sus modos de asistir al cine, sus estrellas y películas, aportan las claves de algunos cambios culturales, sociales y políticos, y manifiestan el nacimiento de una cultura popular unida al entretenimiento de las masas.

Vampiros y zombies posmodernos ofrece la clave para conocer el origen y el significado cultural de la figura literaria y cinematográfica del no-muerto, y analiza las últimas mutaciones sufridas tanto por los descendientes del conde Drácula como por los muertos vivientes. El lector encontrará, en la primera parte, una breve explicación de la figura del no-muerto basada en los clásicos literarios que establecen su paradigma Frankenstein o el moderno Prometeo, El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde, El retrato de Dorian Gray y Drácula. Estos siniestros personajes surgen en el romanticismo inglés en respuesta a las consecuencias más materialistas del cientificismo radical de la Ilustración. Y la popularidad de la que todavía gozan en el imaginario colectivo es debida a la continuada vigencia del desencantamiento del mundo, pues representan un modo mítico de afrontar el tan humano temor a la absurdidad de la existencia. La extraordinaria proliferación de novelas, series y películas realizadas en los últimos años testimonian el creciente interés por las criaturas de la oscuridad. Así, pese a proseguir su evolución literaria, los no-muertos encuentran su público mayoritario en las pantallas y resultan ser cada vez más ambivalentes, amigables o seductores. Por esta razón, la segunda parte del libro se centra plenamente en el mundo del cinematógrafo. Así, citando más de 150 horror movies y comentando muchos de ellos, se ilustran los profundos cambios a los que las películas tanto de zombis como de vampiros se han visto expuestas en las últimas décadas. En tal discusión se abordan, entre otras muchas cosas, fenómenos sociales como el de los adolescentes seguidores de la saga de Crepúsculo o el éxito de series como Sangre Fresca o Crónicas vampíricas, en los que los chupasangres han conquistado una libertad de la que nunca habían gozado, asemejándose cada vez más al modo en que el hombre actual se piensa a sí mismo.

Nada hay más complementario y enriquecedor para el hombre que la mirada femenina. Su modo de contemplar la vida detrás de la cámara proporciona al espectador nuevos coloridos de la misma realidad, y contribuye a que el cine siga reuniendo en su seno, más aún si cabe, la pintura, la escultura y la fotografía, la música y el teatro, la literatura y la poesía. Enrique Chuvieco ha reunido la mirada sincera de diez directoras de cine españolas, sus criterios en el rodaje y su estilo propio al dirigir actores.

En casi todos los guiones hay palabras que expresan lo que dicen, y palabras que no. A veces son mentiras, y otras un modo alternativo de comunicación, indispensable para construir un guion excelente. Pero cabe también expresar ese mismo contenido mediante asociaciones de imágenes, objetos, nombres y evocaciones, que proporcionan al espectador la información que necesita para sospechar, alegrarse y amar, desconfiar o sorprenderse con los personajes, que adquieren una realidad inesperada. El subtexto constituye un lenguaje indispensable para el gran cine, y también para la novela. Linda Seger elabora, como siempre de un modo sintético, un magnífico manual divulgativo para amantes del cine y de la creación literararia, novelistas y guionistas, pero también para academias y universidades, y para todo aquel que busca disfrutar y aprender con el buen cine.

El estreno de La noche de los muertos vivientes en 1968 convirtió a George A. Romero en uno de los directores más admirados de su generación. Sin embargo, la obra del realizador, considerado el padre del cine de zombis, no se reduce a un largometraje ni se limita a un subgénero. Sus películas son estudios de su tiempo y su filmografía constituye una radiografía política de los últimos decenios, una reflexión sobre las estructuras sociales y económicas que atrapan a sus personajes. Obras maestras como Martin o Dawn of the Dead han hecho a Romero acreedor del reconocimiento de la crítica francesa y anglosajona, pero en el mundo de habla hispana sigue siendo un cineasta mal conocido. Este libro es el primero escrito en nuestra lengua que ofrece un análisis completo de su filmografía y desglosa las claves temáticas y estéticas de un cine tan insólito como personal.

 El Batman de Christopher Nolan se ha convertido en una referencia de prestigio para el cine de superhéroes contemporáneo.  Nolan propone un discurso crítico sobre la respuesta occidental a los atentados del 11S y a la crisis financiera de 2008, entre otros sucesos relevantes de la primera década del siglo. Y lo hace con la espectacular narrativa audiovisual propia de esta clase de producciones.  El héroe de Gotham se mueve así en un ámbito alegórico, donde villanos como el Joker representan el miedo y la ansiedad propios de un mundo en el que se han roto para siempre los lazos con la modernidad. 

Pese a estar catalogada como una película de ciencia-ficción, "Blade Runner" -obra maestra que se ha convertido merecidamente en un icono cultural de nuestro tiempo- tiene poco que ver con las utopías futuristas propias del género; al contrario, plantea problemas eternos -la vida y la muerte, el fatídico discurrir del tiempo, la rebelión contra nuestro infausto destino, la extrañeza ante el otro- protagonizados por hombres que habitan en el caos deshumanizado de las grandes metrópolis; es decir, por hombres como nosotros mismos. En este ensayo se analizan las diferentes versiones de Blade Runner y se abordan, con un estilo ágil y gran rigor analítico, las reflexiones antropológicas y morales que propone la película. ¿Qué era lo que Deckard no sabía?

"La delgada línea roja", de Terrence Malick, uno de los directores americanos más importantes de su generación, ha merecido consideración de clásico cinematográfico prácticamente desde el día de su estreno. Enseguida aparecieron monografías dedicadas a analizar su trascendencia en el cine bélico contemporáneo, particularmente en el dedicado a la Segunda Guerra Mundial. En este libro se examina el carácter "clásico" del filme de una manera singular: a partir de los propios "clásicos" grecolatinos. Los resultados son muy originales: la película de Malick presenta citas y temas (Homero, Sófocles, Virgilio, san Pablo…; o la musa, la naturaleza, el asedio, el retorno, la condición de héroe, el infierno…) que cimentan la reinterpretación que el director hace de la Tradición Clásica y todos los matices de los que aparecen dotados los personajes. La comparación con otras películas dedicadas a la batalla de Guadalcanal, con el largometraje coetáneo de Spielberg, "Salvar al soldado Ryan", o con la novela de Jones que inspira el relato, enriquece el análisis propuesto por el autor, que abarca además el conjunto de la filmografía de Malick, director que fue antes filósofo que cineasta.

"Siempre nos quedará Beirut recorre audiovisualmente los episodios violentos sufridos en el Líbano desde 1975 y demuestra cómo las películas, conformando en su conjunto una filmografía completa y diversa, son una herramienta que sirve para preservar la memoria íntima, colectiva y nacional de un país. A lo largo de sus capítulos, somos testigos del modo en que la sociedad civil libanesa, y en concreto sus cineastas, responden al horror de la guerra. Así, a pesar de las diferencias religiosas o de clase social entre éstos, su obra, en conjunto, crea una memoria histórica regional que refleja y reflexiona en torno a cómo la sociedad civil no sólo se resiste a la violencia, sino que construye y reconstruye lo que ésta destruye. Lejos del silencio o la propaganda, el cine libanés es la manifestación que cuestiona y hace público lo que ocurre en el interior de las casas, dejando constancia de la historia no narrada por los noticiarios, de la cotidianidad golpeada por las decisiones políticas de un sistema mundial que no tiene en cuenta la vida de las personas y sus anhelos más sencillos y, por ello, más profundos. Este libro se perfila como una obra fundamental para quienes quieran adentrarse en la historia contemporánea de Oriente Medio y del cine mundial."

Uno de los profesores de cine con más prestigio en Estados Unidos ofrece el curso definitivo de la A a la Z sobre las complejidades del cine. A petición de sus alumnos, el autor condensa en pocas líneas y de modo gráfico sus mejores clases, que han inspirado a numerosas generaciones de grandes cineastas y escritores de Hollywood. Examina los patrones que convierten las películas en populares y memorables, y logra un libro útil tanto para quienes hacen películas como para los que solo pretenden entenderlas mejor. Es ya un clásico en la literatura sobre cine.