Notas de viaje: Diálogos de bioética y cine en tiempos de pandemia

Por Paula Andrea Arroyo Triviño, Josep E Baños, Elsa María Beltrán Luengas y 16 más

Este libro nace del interés de las instituciones académicas latinoamericanas y europeas agrupadas en el Colectivo Iberoamericano de Bioética y Cine (CIBC) en contribuir a la búsqueda de sentido en medio del absurdo que representa la perseverancia de la vida durante la pandemia de COVID-19. Sin aspirar a conclusiones definitivas sobre un proceso histórico trascendental en los planos subjetivos y comunitarios, reúne trece escritos breves que dan cuenta de reflexiones y experiencias vitales en tiempos de pandemia, aprovechando el cine y la literatura como espejos de los significados de pestes antiguas y pestes por venir y los aprendizajes para la investigación, la salud pública y la salvaguarda de los derechos fundamentales.

• Idioma: Español
• Editorial: Universidad del Bosque
• Fecha de lanzamiento: 27 jul 2022
• ISBN: 9789587392616

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PRÓLOGO

PANDEMIA: EL CINE COMO PASADOR DE LO REAL

JUAN JORGE MICHEL-FARIÑA*

¿Puede ser la pandemia una vía para abismarnos a los puntos ciegos de nuestra existencia? ¿De qué manera el cine y las series televisivas** hacen posible esta travesía de lo real? ¿Cómo convertir el estrago viral en una ocasión para convivir de forma armónica con los otros y con la naturaleza?

Este libro, compilado por Boris Julián Pinto y Felipe Ramírez, ve la luz dos años luego de la extensión a escala planetaria del

COVID

-19. Aloja así en sus páginas algunas claves para pensar y reflexionar el mundo que se abrió desde entonces. ¿Por qué el cine y las series televisivas? La respuesta en sí engloba interrogantes profundas, y quizás la más importante es que son una manera de interpretar el mundo en que vivimos.

Tomemos como ejemplo una de las películas que integran este libro, a cuya trama nos convoca con su original texto Felipe Ramírez. La historia está ambientada en un futuro distópico: una epidemia provocada por un virus mortífero que ha diezmado a la humanidad. Quienes sobrevivieron deben permanecer aislados en comunidades subterráneas para evitar contagiarse. Un presidiario, encarnado por Bruce Willis, se ofrece como voluntario para un experimento: viajar al pasado y conseguir una muestra del virus que originó la pandemia. En esa travesía por el tiempo, este hombre encontrará la oportunidad de responder por aquello que desconoce de sí mismo.

Ya hemos reconocido el argumento: se trata de Doce monos, de Terry Gilliam (1995), remake de La jetée (Marker, 1962), una de las películas más poéticas sobre la memoria, el amor y el destino. Como lo consigna Felipe en su texto, Gilliam propone una reescritura del filme francés, agregándole su propia imaginería y obsesiones ya presentes en Brazil (1985): un mundo en el que campean la alienación, la burocracia, el absurdo y la incomunicación. Para ello, agrega a la trama de Marker la estrafalaria conspiración de un grupo llamado Los Doce Monos, sospechoso de haber liberado el virus que liquidó a la mayor parte de la población de la Tierra. Se justifican así los viajes en el tiempo del personaje principal para tratar de evitar la hecatombe.

Y efectivamente, como Felipe lo sugiere, el tiempo es la clave. Permanece así, entre imágenes espectaculares y surrealistas de un futuro devastado y un presente en el que cientos de animales del zoológico corren por las autopistas, el centro original del célebre corto francés: la búsqueda por recuperar una imagen recordada de la infancia. Los recuerdos –encubridores, al fin y al cabo– están hechos menos para recrear una escena de nuestro pasado que para intentar decir algo del deseo. La imagen fascinante de una mujer en el aeropuerto, que el protagonista recuerda de niño, es la memoria de un amor vuelto inocente por la mirada infantil. Función de veladura del horror, ese recuerdo de la infancia que concluye con una muerte es para el personaje una cifra ignorada de su propio destino.

En síntesis, en Doce monos Bruce Willis encarna al héroe trágico cuyo final ha estado marcado desde siempre en un recuerdo que es también un paradójico anticipo de su porvenir. Y sucumbe al dirigirse en el futuro a la misma escena del recuerdo del pasado, para existir en aquella huella de la memoria misma por amor a una mujer. Recuerdo del futuro, atraviesa al final un instante de epifanía en el que se realiza el encuentro imposible entre vivencia y recuerdo, donde deseo y muerte se conjugan.*

¿Qué nos dice este relato introductorio? Que la pandemia vista por el cine presenta una verdad que escapa a las evidencias. Que lo real de la muerte y la desolación solo puede ser tramitado en la medida en que nos dispongamos a este ejercicio de la ficción.

Alain Badiou (2004), seguramente el mayor filósofo francés viviente, nos dice que hay maneras muy diferentes de mostrar el tiempo. Tenemos el tiempo como construcción, como síntesis, un tiempo encajonado que se relaciona, evidentemente, con el hecho de que el cine es un arte de montaje. Pero Badiou nos advierte que el cine muestra construcciones temporales completamente distintas a esta e, incluso, opuestas. Se trata de un tiempo obtenido por estiramiento, como si, estando el espacio inmóvil, fuera el mismo espacio el que se expande. Y la grandeza del espectáculo radica en explorar las posibilidades de la síntesis entre estas diferentes formas del tiempo. Formas que, por supuesto, ya estaban presentes antes de que la pandemia alterara nuestra relación con relojes y almanaques, pero que ahora se nos torna imperioso desentrañar.

Por eso es buen camino recurrir a los inicios mismos del cine. Así lo sugiere Eduardo Díaz cuando en otro capítulo del libro nos propone volver a los hermanos Lumière y la célebre entrada del tren en la estación de La Ciotat. Lo hace para ambientarnos en lo inquietante de la escena para los espectadores de finales del siglo

XIX

, pero también para permitirnos hacer algo con lo ominoso de nuestra época. ¿No es acaso el cine mudo, en particular las películas de Charles Chaplin y Buster Keaton, el que viene en nuestro auxilio frente al estrago y la desolación? Desde la invención de la soledad en La quimera del oro (Chaplin, 1925) hasta el poético desconcierto en Sherlock Jr. (Keaton, 1924), los efectos de la pandemia pueden leerse en esos clásicos de siempre.

Sherlock Jr. nos ofrece el aditamento de una puesta en abismo: una película dentro de otra. La trama se desarrolla en una sala de cine, donde Keaton trabaja como proyeccionista; luego de acomodar la cinta y dar inicio al espectáculo, se queda dormido. Sueña que sale de la pequeña cabina y se acomoda entre el público, para ingresar luego con curiosidad en la pantalla; una vez dentro de la proyección, empieza a notar cómo el espacio que produce el montaje se transforma incesantemente: la película va cambiando de escenografía y observamos el desconcierto del personaje al encontrarse en un lugar desconocido. Cada vez que se acomoda en un espacio, este se desmorona, y la incertidumbre se apodera de él. Podríamos argumentar que el acróbata más extraordinario del cine muestra la condición de fragilidad del cuerpo humano.

Y así, cada película expuesta en este libro multiplica nuestra imaginación y nos permite viajar por el tiempo y el espacio. En suma, conjurar el encierro y salir al encuentro de un hallazgo en la vida de cada uno.

Podemos, por ejemplo, desplazarnos al Japón de Perdidos en Tokio (Coppola, 2003), pero ahora para jugar con las lenguas de una manera diferente. De la mano de un niño y una cofradía de perros relegados por el virus a un aislamiento cruel, aprender a convivir mejor con la condición animal que nos habita. Una lección de especismo en pandemia que debemos a la pluma de Elsa María Beltrán, en su original lectura filosófica de Isla de perros (Anderson, 2018). También podemos trasladarnos a la Argelia francesa para recrear la gesta de un grupo de médicos frente a la epidemia de cólera que asoló Orán a mediados del siglo

XIX

. Con reminiscencias del Buenos Aires en que fue rodada, La peste (Puenzo, 1993) nos llega en la mirada implacable de Boris Julián Pinto y Valentina Vizcaya. A la exacta lectura clínica y epidemiológica de los autores se suma el valor de parábola que trasunta el filme: la eterna lucha entre opresión y dignidad.

En esta travesía no debemos olvidar que, clásicamente, la sala de cine también promueve, a su manera, un transitorio aislamiento social. Es una vía para ausentarnos del ámbito cotidiano y suspender la realidad que nos sume, en ocasiones, en un profundo ambiente desesperanzador. Sin embargo, con sus topos –y aún bajo el ensueño del puro dispositivo–, el cine puede introducir la narrativa de esa realidad que se ha suspendido. Y en un paradójico malabar, sorprendernos con aquello que creíamos necesario olvidar momentáneamente. Esa es su magia: prevalece el dispositivo y, aunque nos sustraiga de aquello que nombramos como la realidad, esta aún acontece, pero fuera de sí.

La pandemia ha subvertido de infinitas maneras la experiencia del cine. Y como un ancla en medio de la tormenta, las páginas de este libro vienen en nuestra ayuda. Desde la trilogía sobre el sida, a cargo de Ana Isabel Gómez, hasta la serie de Contagio (Soderbergh, 2011) y Epidemia (Petersen, 1995), por Viviana Osorno, pasando por los también clásicos 28 días después (Boyle, 2002) y Blindness (Meirelles, 2008), por Boris Julián Pinto, Natalia Botero, Juan Pablo Bocanegra y Paula Camila Olivares.

Capítulo aparte merece esta última película, cuya lectura en torno del Ensayo sobre la ceguera de José Saramago la convierte en un hallazgo de rigor y poesía. Como también, para concluir, la inclusión del episodio doble de The Good Doctor (Shore et al., 2013-presente) a cargo de Irene Cambra Badii, texto que confirma el valor de la forma serie, con entidad propia, como paradigmática del arte del nuevo siglo.

En suma, se trata de un libro concebido como una trama apasionante, que tiene por valor central el poder de la metáfora. Porque partiendo de escenarios conocidos, se eleva permitiendo a quienes oficiamos la lectura acompañarles en ese vuelo. Y, una vez más, hacer algo con esta inédita torsión del espacio-tiempo que transfiguró nuestras vidas.

Y como una suerte de multiplicación dramática, evocar con autores y autoras otros escenarios, inagotables como la imaginación misma. Pensar otros encierros contingentes como los de A puerta cerrada (Escudero, 1962), basada en la conocida pieza teatral de Jean-Paul Sartre (1944), o clásicos como Underground (Kusturica, 1995), Parásitos ( Joon-ho, 2019) o La trinchera infinita (Garaño et al., 2019), que también presentan de manera conmovedora, en los márgenes del encierro, la potencia de la libertad humana.

Y volviendo a los orígenes, con Lumière y Keaton, abrir las páginas de este libro redoblando nuestra apuesta a la creación. Ante la pérdida de seres queridos, ante la injusta batalla contra el virus, no bajar la guardia. Volver a la sala de cine como un gesto militante. Y hacerlo con dos perlas.

La primera, la evocación de la pandemia en El séptimo sello de Ingmar Bergman (1957), ambientada en el medioevo bajo la peste negra. Imaginemos una partida de ajedrez entre el caballero y la muerte. Toda película es un tránsito por las movidas interiores proyectadas en un tablero que se revela como el escenario del mundo. Analogía de las batallas que libran diariamente profesionales de la salud, verla resulta hoy imprescindible para entender mejor el cuidado, la solidaridad y el verdadero acto ante lo imprevisible.

La segunda, Don Quijote de Orson Welles (1969), de la mano de Giorgio Agamben (2005), quien describió su escena culminante como los seis minutos más bellos de la historia del cine:

Se trata de una secuencia muda ambientada en una sala de cine de provincia. Sancho Panza busca a Don Quijote y lo encuentra mirando la pantalla en primera fila, intenta acercarse a él, pero la sala está llena, por lo que se sienta en la platea junto a una niña que le ofrece una golosina. La proyección comienza y exhibe una película épica que muestra caballeros armados y una dama en peligro. De golpe Don Quijote se pone en pie, desenvaina su espada, se precipita sobre la pantalla y sus mandobles empiezan a rajar la tela. En la pantalla siguen todavía la mujer y los caballeros, pero el agujero abierto por la espada de Don Quijote crece cada vez más y devora implacablemente la imagen. Al final casi no queda nada de la pantalla, solamente el bastidor de madera que la sostenía. El público, indignado, abandona la sala; pero en el gallinero los niños no paran de animar frenéticamente a Don Quijote. Solo la niña de la platea lo mira con reprobación. (p. 123)

Podemos preguntarnos con Agamben: ¿qué debemos hacer con nuestras imaginaciones? Armarlas, creérnoslas al punto de deber destruirlas o falsificarlas. Solo cuando, al fin, estas se revelan vacías, insatisfechas, cuando muestran la nada de la que están hechas, debemos pagar el precio de su verdad, comprender que Dulcinea –a quien hemos salvado– no puede amarnos.

¿Cuál es entonces la función del cine frente a la pandemia? Justamente, ser pasador de lo real al campo de lo simbólico a través de las imágenes. Hacer del horror innominable un lugar posible para que la palabra recobre su justo valor. Y al hacerlo, reinventarnos subjetivamente. Como el Caballero de Bergman o la Dulcinea de Welles, que, al librar sus batallas en la magia de la luz, iluminan el camino por recorrer.

Referencias

Agamben, G. (2005). Profanaciones. Anagrama.

Anderson, W. (Director). (2018). Isle of Dogs [Isla de perros] [película]. 20th Century Fox Animation.

Badiou, A. (2004). El cine como experimentación filosófica. En G. Yoel (Comp.), Pensar el cine 1: Imagen, ética y filosofía (pp. 23-35). Manantial.

Bergman, I. (Director). (1957). Det sjunde inseglet [El séptimo sello] [película].

AB

Svensk Filmindustri.

Boyle, D. (Director). (2002). 28 Days Later [28 días después] [película].

DNA

Films.

Chaplin, C. (Director). (1925). The Gold Rush [La quimera del oro] [película]. Charles Chaplin Productions.

Coppola, S. (Directora). (2003). Lost in Translation [Perdidos en Tokio] [película]. American Zoetrope; Tohokushinsha Film.

Escudero, P. (Director). (1962). Huis clos [A puerta cerrada] [película]. Aries Cinematográfica.

Garaño, J., Arregi, A. y Goenaga, J. M. (Directores). (2019). La trinchera infinita [película]. Irusoin; Moriarti Productions.

Gilliam, T. (Director). (1985). Brazil[película]. Embassy International Pictures.

Gilliam, T. (Director). (1995). Twelve Monkeys [Doce monos] [película]. Universal Pictures.

Joon-ho, B. (Director). (2019). Gisaengchung [Parásitos] [película]. Barunson E&A; CJ Entertainment.

Keaton, B. (Director). (1924). Sherlock Jr. [película]. Joseph M. Schenck Productions.

Kusturica, E. (Director). (1995). Podzemlje [Underground] [película]. Ciby 2000; Pandora Film; Novofilm; A. B. Barrandov; Komuna; Radio Television of Serbia; Mediarex;

ETIC

; Tchapline Films; Film Fonds Hamburg; Eurimages.

Marker, C. (Director). (1962). La jetée [La terminal] [película]. Argos Films.

Meirelles, F. (Director). (2008). Blindness [A ciegas] [película]. Rhombus Media.

Petersen, W. (Director). (1995). Outbreak [Epidemia] [película]. Punch Productions.

Puenzo, L. (Director). (1993). La peste [película]. Gaumont Film Company.

Sartre, J.-P. (1944). Huis clos [A puerta cerrada] [obra de teatro]. El Théâtre du Vieux-Colombier.

Shore, D., Dae, D., Kim, D., Lee, S. y Gordon, S. (Productores Ejecutivos). (2013-presente). The Good Doctor [serie de televisión]. Shore Z Productions; 3

AD

; EnterMedia;

ABC

Studios;

ABC

Signature; Sony Pictures

TV

.

Soderbergh, S. (Director). (2011). Contagion [Contagio] [película]. Warner Bros.

Welles, O. (Director). (1969). Don Quixote [Don Quijote] [película]. Jesús Franco.

* La información sobre los autores se encuentra en las páginas 245-249.

** Se conserva la idea de series televisivas, debido a que su producción está basada en el desarrollo de una historia dividida en capítulos, aclaración necesaria por el auge de las plataformas de streaming.

* Inspirado tanto en el texto de Felipe Ramírez incluido en este volumen como en otras referencias citadas en el prólogo a escritos que integran el proyecto Deseo de cine: ver y pensar películas en pandemia. Se trata de un proyecto de la Secretaría de Extensión Universitaria en colaboración con la práctica de investigación Cine y subjetividad: el método clínico-analítico de lectura de películas y series televisivas, en las facultades de Psicología de la Universidad de Buenos Aires (

UBA

) y la Universidad Nacional de Córdoba. Cuenta con el auspicio del Centro de Innovaciones en Tecnología y Pedagogía (Citep) de la

UBA

y del Colectivo Iberoamericano de Bioética y Cine, integrado por autores y autoras de este volumen. Un agradecimiento especial a Eduardo Laso, Haydée Montesano y Giorgio Agamben.

PRESENTACIÓN

BORIS JULIÁN PINTO BUSTAMANTE

FELIPE RAMÍREZ GIL

La noción contemporánea del término epidemia no se corresponde con su significado original. El vocablo griego epidemía remite al significado de visita o llegada a un lugar y fue utilizado, en el contexto de la práctica médica en la Grecia antigua, para referirse a la visita del médico a la ciudad, al domicilio de su paciente, o la visita del paciente a su médico. Posteriormente este significado original, relativo al tránsito y la visita pasajera, experimentó una derivación nosocéntrica hasta las notas de viaje del médico en su ruta itinerante, y luego, al concepto de visitación de una enfermedad foránea, desconocida, que ingresa en la comunidad y afecta a sus habitantes (Pino Campos y Hernández González, 2008).

El

COVID

-19 ha transformado la cotidianidad de todos los habitantes del planeta. Este libro nace gracias al esfuerzo de cinco instituciones académicas de América Latina y Europa por contribuir, desde la narrativa cinematográfica y la bioética, a la búsqueda de sentido en medio del absurdo que ha significado la perseverancia de la vida en medio de la pandemia. La Universidad del Rosario, el Instituto de Bioética de la Pontificia Universidad Javeriana y el Departamento de Bioética de la Universidad El Bosque, por Colombia; la Universidad de Buenos Aires, por Argentina; y la Universitat de

VIC

- Universitat Central de Catalunya, por España, instituciones reunidas en el Colectivo Iberoamericano de Bioética y Cine (

CIBC

), han convocado diversas miradas sobre las dimensiones bioéticas que la pandemia ha suscitado, en una suerte de persistencia de las fabulaciones del cine, la literatura y la televisión en los modos de la vida cotidiana y sus correlatos éticos, sociales y políticos.

Es mucho lo que se ha escrito y habrá de escribirse a partir de esta experiencia global. Nuestra propuesta no aspira a la exhaustividad, ni a la reflexión definitiva sobre un proceso histórico inconmensurable en los planos subjetivos y comunitarios, ante el cual solo caben algunos balbuceos. Ella reúne trece escritos breves que dan cuenta de conceptos relativos a experiencias vitales y reflexiones en tiempos de pandemia, aprovechando el concurso narrativo del cine y la