Poesía en Español

Campos de Castilla, publicado en 1912, es, probablemente, el libro más influyente de la poesía en español del siglo XX. Su impacto en sucesivas generaciones de poetas, comenzando por la Generación del 98, a la que Machado pertenece, o por la Generación del 27, aún se siente y es reconocible en las voces a ambos lados del Atlántico, en España e Hispanoamérica. Los versos de Antonio machado, pura raíz y pueblo, reflejan los paisajes de Castilla tanto como el eco que dejan las vidas sencillas de sus gentes. Poemas sobre la naturaleza, sobre el amor, sobre la herencia, sobre la ausencia y, tras el fallecimiento de su amada Leonor, sobre la pérdida, pero también historias en verso pegadas al terreno que resuena, entre otros, en los poemas de Federico García Lorca. En definitiva, con Campos de Castilla Machado inaugura una etapa brillante de la literatura en español, y nos deja un testimonio emocional y cultural imperecedero, una mirada sobre la vida y la muerte que parte de lo cercano y singular, pero que es universal. Campos de Castilla, published in 1912, is probably the most influential book of 20th century Spanish poetry. Its impact on successive generations of poets, beginning with the Generation of '98, to which Machado belongs, or the Generation of '27, is still felt and recognizable in voices on both sides of the Atlantic, in Spain and Latin America. The verses of Antonio Machado, pure roots and people, reflect the landscapes of Castile as much as the echo left by the simple lives of its people. Poems about nature, about love, about inheritance, about absence and, after the death of his beloved Leonor, about loss, but also stories in verse stuck to the ground that will resonate, among others, in the poems of Federico García Lorca. In short, with Campos de Castilla Machado opens a brilliant period in Spanish literature, and leaves us an everlasting emotional and cultural testimony, a look at life and death, close, singular and universal.

Romancero gitano, emocionante y hermoso libro de poemas publicado por Federico García Lorca en 1928, recoge la mirada del poeta a través de un retrato mítico a la vez que costumbrista del pueblo gitano. Todas las obsesiones y todos los iconos del autor encuentran su lugar en esta obra, el amor, la tradición, la muerte, la luna, el mar, y todo ello acudiendo a formas populares, como el romance, y a un lenguaje que nace del pueblo y se dirige al pueblo. Federico García Lorca, uno de los poetas más conocidos y universales de la Generación del 27, construye, con Romancero gitano, un legado cultural imperecedero y nos ofrece una de las obras cumbres de la poesía española, no ya del siglo XX, sino de todos los tiempos. Romancero gitano, an exciting and beautiful book of poems published by Federico García Lorca in 1928, offers the poet's view of the world through a mythical and at the same time folkloric portrait of the gypsy people. All of the author's obsessions and icons find their place in this work, love, tradition, death, the moon, the sea, and all of this using popular forms, such as "romances", and a language born of the people and addressed to the people.  Federico García Lorca, one of the best known and most universal poets of the Spanish group of poets known as Generation of '27, builds, with Romancero gitano, an enduring cultural legacy and offers us one of the greatest works of Spanish poetry, not only of the twentieth century, but of all time.

"El rayo que no cesa" es un poemario publicado por Miguel Hernández en 1936, meses antes del estallido de la Guerra Civil Española. La temática de la mayoría de sus poemas es amorosa y trágica, con un tono apasionado, pues el amor hiere al poeta que, sin embargo, se aferra a ese sentimiento buscando un sentido al mundo y a su propia existencia. El amor que reflejan los versos de Miguel Hernández es un amor romántico, pero también hay espacio para el amor por los amigos, como en la emocionante elegía que dedica a su amigo y maestro Ramón Sijé. En "El rayo que no cesa", Miguel Hernández encuentra un lenguaje sencillo y juega con las formas clásicas, buscando su propio camino hacia una poesía popular. Desde ese punto de vista, se trata de una obra con una importancia capital en la poesía en español del Siglo XX. "El rayo que no cesa" is a collection of poems published by Miguel Hernández in 1936, months before the outbreak of the Spanish Civil War. The subject matter of most of his poems is amorous and tragic, with a passionate tone, because love hurts the poet who, nevertheless, clings to that feeling looking to understand both the existence and his own place in the world. The love reflected in Miguel Hernández's verses is a romantic love, but there is also room for friendship, another nature of love, as in the moving elegy he dedicates to his friend and maestro Ramón Sijé. In "El rayo que no cesa", Miguel Hernández finds a simple language and plays with classical forms, seeking his own path towards a popular poetry. From this point of view, it is a work of capital importance in the Spanish language poetry of the 20th century.

Viento del pueblo recopila los poemas escritos por Miguel Hernández durante la Guerra Civil Española. Obra comprometida militar y políticamente, recoge versos de una fuerza y un desgarro que contrastan con el tono lírico e íntimo de buena parte de su obra anterior. La poesía bélica y de urgencia de Miguel Hernández parte de lo popular, del pueblo al que hace referencia el título de la obra, de su miseria, sufrimiento y dolor… pero no solo hay violencia en ellos, también hay esperanza en una victoria y en un mañana que se construyen desde la vanguardia bélica como un esfuerzo colectivo. Siendo una obra poética volcada en la propaganda de la causa y en la que el autor se desprende de matices, recurre principalmente al romance como estructura, y aporta un hermoso testimonio poético de un evento traumático para España, sus gentes, y su literatura. Diseño de portada: David Rubiales Viento del pueblo is a collection of poems written by Miguel Hernández during the Spanish Civil War. A militarily and politically committed work, it brings together verses of a forcefulness and an intensity that contrasts with the lyrical and intimate tone of much of his earlier work. Miguel Hernández's poetry of war and urgency is based on the popular, on the people to whom the title of the work refers, on their misery, suffering and pain... but there is not only violence in them, there is also hope in a victory and in a tomorrow that are built from the frontline as a collective effort.  Being a propaganda contribution to the cause in which the author takes a clear position without room for nuances, it relies in the poetic structure of "romances" , and provides a beautiful poetic testimony of a traumatic event for Spain, its people, and its literature. Cover design: David Rubiales

Llanto por Ignacio Sánchez Mejías es el emocionado homenaje, en cuatro elegías, que dedica Federico García Lorca a su amigo, el torero Ignacio Sánchez Mejías, fallecido como consecuencia de una cogida en 1934. Se trata de una obra unitaria que relata los sentimientos y pensamientos del poeta sobre cuatro elementos trágicos: la cogida y la muerte del torero, su sangre derramada, el cuerpo presente, y, finalmente, el alma ausente. Los cuatro poemas, de gran belleza y emotividad desgarrada, suponen una cumbre de la poesía taurina, y, pese a su sencillez, o quizá por eso, son una de las obras cumbres de su autor. Diseño de portada: David Rubiales. Llanto por Ignacio Sánchez Mejías is the emotional tribute, in four elegies, that Federico García Lorca dedicates to his friend, the bullfighter Ignacio Sánchez Mejías, who died as a result of injuries caused by a bull in 1934. It is a unitary work that recounts the poet's feelings and thoughts on four tragic elements: the bullfighter's injury and death, his spilled blood, the present body, and, finally, the absent soul. The four poems, of great beauty and heart-breaking emotion, are the pinnacle of bullfighting poetry, and, despite their simplicity, or perhaps because of it, they are one of the author's greatest works. Cover art design: David Rubiales.

La poesía en español alcanzó su cenit en el Siglo de Oro a través de algunos de los poetas incluidos en esta selección. Los versos de Lope de Vega, Francisco de Quevedo, Luís de Góngora, Garcilaso de la Vega, y Fray Luís de León, nos aproximan a temas universales (el amor, el paso del tiempo, la religión, etc.) desde distintas propuestas formales, donde conviven lo popular y lo intelectual. Romances, Sonetos, y otras formas poéticas, un lenguaje en plena modernización, y poemas donde encontrar tanto los más altos sentimientos y reflexiones morales, como el el humor y hasta el insulto. Las obras seleccionadas son, por autor: Quevedo: (1) Amor constante más allá de la muerte; (2) A una nariz; (3) Desde la Torre; (4) Enseña cómo todas las cosas avisan de la muerte; (5) Represéntase la brevedad de lo que se vive y (...); y (6) Poderoso caballero es don Dinero. Lope de Vega: (1) Desmayarse, atreverse, estar furioso; (2) Suelta mi manso, mayoral extraño; (3) A una calavera; (4) Un soneto me manda hacer Violante; (5) ¿Qué tengo yo que mi amistad procuras?; y (6) Mira, Zaide, que te digo. Góngora: (1) Mientras por competir por tu cabello; (2) Ándeme yo caliente y ríase la gente; y (3) Amarrado al duro banco. Garcilaso: (1) Soneto 5; y (2) Soneto 23. Fray Luís de León: (1) Vida retirada; y (2) Agora con la aurora se levanta. Spanish poetry reached its golden age in the 16th century through some of the poets included in this selection. The verses of Lope de Vega, Francisco de Quevedo, Luís de Góngora, Garcilaso de la Vega, and Fray Luís de León, discover how they approached universal themes (love, the passage of time, religion, etc.) from different formal proposals, where popular and intellectual poetry coexist. Romances, Sonnets, and other poetic forms, a language in full modernization, and poems where the highest feelings and moral reflections find their place, as well as humor and even insult. Diseño/Design: David Rubiales.

Poeta en Nueva York es la obra personalísima, cumbre de la poesía surrealista, y una experiencia poética única. Escrito por Federico García Lorca durante su estancia en la Universidad de Columbia, en Nueva York, entre 1929 y 1930, y durante un viaje a Cuba, es una obra ambiciosa y compleja que, mediante un lenguaje popular y algunas de las imágenes más sorprendentes, vehementes y hermosas de la poesía en español, suscita fuertes sentimientos y denuncia la injusticia y la deshumanización de las sociedades modernas, que contrapone a la naturaleza. En sus poemas conviven reflexiones, emociones y conflictos personales del autor con una crítica directa a la realidad que le rodea, mientras reivindica a quienes se aferran a su humanidad. En ese sentido, Lorca no oculta su predilección por los que sufren, por los desfavorecidos, por la minoría negra, o por los niños. Poeta en Nueva York es una de las obras más originales e importantes de la Generación del 27. Poeta en Nueva York is a highly personal work, the pinnacle of surrealist poetry, and a unique poetic experience. Written by Federico García Lorca during his stay at Columbia University in New York, between 1929 and 1930, and during a trip to Cuba, it is an ambitious and complex work that, through popular language and some of the most surprising, vehement and beautiful images of poetry in Spanish, arouses strong feelings and denounces the injustice and dehumanization of modern societies, which he contrasts with nature. In his poems, reflections, emotions and personal conflicts of the author coexist with a direct criticism of the sorrounding reality, while vindicating those who defend their own humanity. In this sense, Lorca does not hide his predilection for those who suffer, for the disadvantaged, for the black minority, or for children. Poeta en Nueva York is one of the most original and important works of the Generation of '27. Diseño de portada/Cover art design: David Rubiales.

Rubén Darío es probablemente el poeta más importante de la lengua española en el siglo XIX y los ecos de su obra resuenan a través de toda la poesía escrita a ambos lados del Atlántico desde entonces. Fue el autor modernista más destacado y revolucionó forma y contenido incorporando a nuestra poesía ritmos y temáticas, muchas provenientes de Francia, que le dieron un nuevo aire. En "Cantos de vida y esperanza, los cisnes y otros poemas" encontramos la obra poética de madurez del poeta nicaragüense. En los tres libros en los que se divide se observa un autor más reflexivo y que, además de las referencias a la mitología, a la cultura clásica, y a un pasado idealizado, levanta la bandera de la cultura hispanoamericana frente a los valores y el empuje del imperialismo estadounidense, y reivindica también sus raíces y creencias cristianas. La musicalidad de la obra de Rubén Darío sigue cautivando, como lo hace la belleza de sus versos o la vehemencia con la que su simbolismo nos transmite historias, ideas y sentimientos universales. Diseño de portada: David Rubiales Suárez Rubén Darío is probably the most important poet of the Spanish language in the 19th century and the echoes of his work resound in Spanish poetry since then. He was the main modernist author and revolutionized form and content by incorporating rhythms and themes into Spanish poetry. In "Cantos de vida y esperanza, los cisnes y otros poemas" we find the poetic work of maturity of the Nicaraguan author, a more reflective poet who, in addition to references to mythology, classical culture, and an idealized past, raises the flag of the Hispanic American culture against the values and thrust of U.S. imperialism, and also claims his Christian roots and beliefs. The musicality of Rubén Darío's work continues to captivate, as does the beauty of his verses or the vehemence with which his symbolism transmits universal stories, ideas and feelings. Cover art design: David Rubiales Suárez

¿Qué tiene en común una mujer de nuestra época con una mujer del siglo XVII? Más, quizás, de lo que pensamos. Esta selección de poemas de mujeres escritos entre el siglo XVI y mediados de siglo XX pretende reivindicar esas voces femeninas que, a pesar de los años y de los enormes cambios sociológicos, nos siguen haciendo vibrar, sentir y aprender en cada verso. Nos susurran desde el pasado palabras de amor y desamor, reflexiones sobre su relación con los hombres, odas a la muerte y al paso del tiempo, y explican el refugio que puede encontrarse en lo divino. ¿Alguna vez echaste de menos una poesía femenina en español? Siempre existió y es hermosa y apasionante. Descúbrela a través de los poemas de dieciocho mujeres de ambos lados del Atlántico: Emilia Pardo Bazán: Almas gemelas; Jaime II. Alfonsina Storni: La caricia perdida; Dolor. Rosalía de Castro: Hora tras hora día tras día; Pobre alma sola no te entristezcas. Santa Teresa de Jesús: Si el amor que me tenéis; Nada te turbe. Sor Juana Inés de la Cruz: Hombres necios; Este amoroso tormento; En perseguirme mundo, ¿Qué interesas? Margarita Hickey: De las mujeres; De los hombres; Al oído. Gertrudis Gómez de Avellaneda: A él; Mi mal. Violante de Ceo: Romance. María de Zayas: Amar el día aborrecer el día. Catalina Clara de Guzmán: Romance. Isabel de Vega: Coplas. Hipólita de Narváez: Soneto. Carolina Coronado: Nada resta de ti. Leonor de la Cueva y Silva: Liras a la muerte de mi querido padre y señor. Concepción de Estevarena: Deseos. Luisa Sigea: Un fin, una esperanza, un cómo, un cuándo. María Gertrudis Hore: Glosa. Sor Marcela de San Félix: Al buen empleo del tiempo. Selección de María Ortega Diego. Diseño de portada: David Rubiales

En "poema del cante jondo" Federico García Lorca se sumerge en el flamenco, como forma de expresión puramente andaluza, y juega con las formas tradicionales mientras experimenta, dejándonos una obra personalísima y emocionante. En sus poemas encontramos el lamento, el dolor, la muerte, pero también la belleza y el amor, además de personajes, históricos unos, ficticios y paradigmáticos otros, que se desenvuelven en un contexto a medio camino entre lo real y lo onírico. Una fusión entre poesía, música y teatro tan enraizada en la tradición, como en la vanguardia de su tiempo. Diseño de portada: David Rubiales In "poema del cante jondo" Federico García Lorca digs deeply into the soul of flamenco, as a purely Andalusian form of expression, and plays with traditional forms while experimenting, leaving us a very personal and exciting work. In his poems we find lament, pain, death, but also beauty and love, as well as characters, some historical, others fictitious and paradigmatic, that unfold in a context halfway between the real and the dreamlike. A fusion of poetry, music and theater as rooted in tradition as in the avant-garde of its time. Cover art design: David Rubiales

"La Pipa de Kif" es un original y divertido poemario de Ramón María del Valle-Inclán, autor más conocido por su narrativa y su teatro, pero que cultivó también la poesía toda su vida. Con unas rimas rotundas y un vocabulario muy personal, a medio camino entre la calle y todo el mundo tradicional que habita en su recuerdo, Valle-Inclán recurre al humor y a la crítica social en una obra que supone una verdadera aproximación al esperpento poético. El pueblo y las personas sencillas que lo componen, los espacios que habitan, y las historias que comparten se sitúan en el centro de la mirada poética del autor, dando lugar a una obra personalísima que solo puede firmar un genio como Valle-Inclán, y que merecería una mayor atención. Diseño de portada: David Rubiales Suárez. "La Pipa de Kif" is an original and amusing collection of poems by Ramón María del Valle-Inclán, an author best known for his narrative and theater, but who also cultivated poetry throughout his life. With strong rhymes and a very personal vocabulary, halfway between the street and the traditional world that inhabits his memory, Valle-Inclán resorts to humor and social criticism in a work that is a true approach to the poetic esperpento. The simple people, the spaces they inhabit, and the stories they share are at the heart of the author's poetic gaze, giving rise to a highly personal work that can only be signed by a genius like Valle-Inclán, and which deserves greater attention. Cover art design: David Rubiales Suárez.

Hombres y mujeres del Romanticismo en español (1), incluye algunos de los poemas más conocidos de la poesía del Romanticismo en español, escritos por algunos de sus autores más importantes y reconocidos: José de Espronceda, Rosalía de Castro, Gustavo Adolfo Bécquer, Emilia Pardo Bazán, Gertrudis Gómez de Avellaneda, y Carolina Coronado. El Romanticismo fue un movimiento literario que revolucionó la mirada poética entre finales del Siglo XVIII y durante buena parte del XIX, y que fue protagonizado tanto por hombres como mujeres de gran valía. La poesía romántica pone el foco en las emociones personales, en el misterio, en la introspección y en las manifestaciones auténticas del alma de los pueblos. Son obras exaltadas, melancólicas, idealistas, emocionantes y sinceras, de una intensidad desbordante, y que en lo formal buscan nuevas formas poéticas que rompen con lo establecido, mientras se acercan a lo popular incorporando elementos tradicionales como el romance castellano. Elementos como el humor o la denuncia social, se hacen presentes especialmente en las escritoras de este movimiento, y son elementos que están aún por reivindicar. Diseño de portada: David Rubiales Suárez. Hombres y mujeres del Romanticismo en español (1) includes a selection of works from José de Espronceda, Rosalía de Castro, Gustavo Adolfo Bécquer, Emilia Pardo Bazán, Gertrudis Gómez de Avellaneda, and Carolina Coronado. Romantic poetry focuses on personal emotions, mystery, introspection and the soul of peoples. They are exalted, melancholic, idealistic, exciting and sincere works, of an overflowing intensity, and that formally seek new poetic forms that break with the established, while approaching the popular by incorporating traditional elements such as Castilian romance. Elements such as humour or social denunciation, yet to be vindicated, are especially present in the female writers of this movement. Cover art design: David Rubiales Suárez.

Hombres y mujeres del Romanticismo en español (2), incluye obras de importantes autores de ese movimiento, algunos de ellos por reivindicar: José Zorrilla, Carolina Coronado, Gertrudis Gómez de Avellaneda, Ángel de Saavedra (Duque de Rivas), Concepción de Estevarena, Gaspar Núñez de Arce, Fernanda Siliuto, Fernando Martínez de la Rosa, y María Josefa Massanes. El Romanticismo fue un movimiento literario de hombres y mujeres que revolucionaron la poesía a finales del Siglo XVIII y durante buena parte del XIX. La poesía romántica pone el foco en las emociones personales, en el misterio, en la introspección y en reflejar el alma de los pueblos. Son obras exaltadas, melancólicas, idealistas, emocionantes y sinceras, de una intensidad desbordante, y que en lo formal buscan nuevas formas poéticas que rompen con lo establecido, mientras se acercan a lo popular con elementos tradicionales como el romance castellano. Aspectos como el humor o la denuncia social se hacen también presentes, especialmente en las escritoras. Diseño de portada: David Rubiales Suárez. Hombres y mujeres del Romanticismo en español (2), includes works by important authors of Romanticism poetry in Spanish, some of them to vindicate: José Zorrilla, Carolina Coronado, Gertrudis Gómez de Avellaneda, Ángel de Saavedra (Duque de Rivas), Concepción de Estevarena, Gaspar Núñez de Arce, Fernanda Siliuto, Fernando Martínez de la Rosa, and María Josefa Massanes. Romantic poetry focuses on personal emotions, mystery, introspection and the soul of peoples. Poems are exalted, melancholic, idealistic, exciting and sincere, of an overflowing intensity, and formally explore new forms that break with the tradition, while approaching the popular by incorporating elements such as Castilian romance. Humour or social denunciation are also present, particularly in the female writers. Cover art design: David Rubiales Suárez.

"Diván del Tamarit" es un poemario con el que Federico García Lorca homenajea a los poetas andalusíes de Granada, utilizando para ello dos tipos de composiciones, las casidas y las gacelas. El amor, el erotismo y la muerte son los temas de esta obra que, si en lo estructural y rítmico parece partir de un clasicismo orientalista y melancólico, en su expresividad poética conecta con "Poeta en Nueva York" por la fuerza y belleza de sus metáforas. La mirada de Lorca, su sensibilidad, sus raíces y su creatividad cristalizan en una obra de una belleza y una fuerza arrebatadoras, una obra madura, personalísima e inolvidable. "Diván del Tamarit" es una joya de la poesía en español por reivindicar. "Diván del Tamarit" is a collection of poems with which Federico García Lorca pays homage to the Andalusian poets of Granada, using two types of compositions, the casidas and the gazelles. Love, eroticism and death are the themes of this work which, if in its structural and rhythmic aspects seems to be based on an orientalist and melancholic classicism, in its poetic expressiveness connects with "Poeta en Nueva York" due to the strength and beauty of its metaphors. Lorca's vision, his sensitivity, his roots and his creativity crystallize in a work of ravishing beauty and strength, a mature, highly personal and unforgettable work. "Diván del Tamarit" is a jewel of Spanish poetry to be vindicated.  Diseño de portada/Cover art design: David Rubiales Suárez.